Dielo umelca Hymana Blooma je uctievané. A telá sú mŕtvoly.

„Ženská noha“ Hymana Blooma, 1951; olej na plátne. (Múzeum výtvarných umení, Boston/Timothy Phillips/Z fondu Stella Bloom Trust)

Obrazy hnijúcich mŕtvol a roztiahnutých mŕtvol, ktoré vytvoril Hyman Bloom v rokoch 1943 až 1954, predstavujú jedno z najvýnimočnejších a znepokojivo najkrajších diel v americkom umení.

Bloomove maľby otrasné aj ohromujúce. Sú zapálené horúcimi, prúdiacimi farbami, ktoré sa na ich povrchu rozkladajú ako plamene, pohlcujú a premieňajú úbohé telá, ktoré zobrazujú, na niečo dúhové a éterické. Obrazy spolu s výberom oslnivých veľkorozmerných kresieb sú predmetom vynikajúcej, dlho očakávanej show, Hyman Bloom: Záležitosti života a smrti v Bostonskom múzeu výtvarného umenia. Zhoduje sa s úžasnou novinkou monografia na Bloom a reklamu show v New Yorku , výstava pôsobí ako veľká udalosť.

Bloom (1913-2009) je väčšinou zabudnutá postava. Ale jeho brilantnosť bola široko uznávaná v polovici storočia. Jackson Pollock, Willem de Kooning a Franz Kline ho všetci uctievali. Elaine de Kooning geniálne napísal o svojej ranej tvorbe. Veľký renesančný učenec Sydney Freedberg nazval ho virtuózom s farbou. A v liste kolegyni poetke Elizabeth Bishopovej Robert Lowell napísal: Hyman je úžasne konzistentný, brilantný, asketický – stále viac ľudí o ňom hovorí, že je najlepším maliarom v Amerike, a taký je.

Túto výstavu D.C. by mal vidieť každý, koho migračná kríza zaujíma

Bloom sa narodil v chudobnej dedine ortodoxných Židov v Lotyšsku a svoje rané roky strávil v jednoizbovom zrube s hlinenou podlahou. Mal 7 rokov, keď jeho rodina prišla na Ellis Island v roku 1920. Usadili sa s Hymanovými dvoma staršími bratmi, ktorí emigrovali pred prvou svetovou vojnou, v činžiaku v bostonskom West Ende, kde sa osem ľudí tlačilo do troch izieb.

V škole si Bloomov talent všimol jeho učiteľ umenia v ôsmej triede, ktorý ho povzbudil, aby sa zapísal do kurzov kreslenia v komunitnom centre. Umelec Jack Levine, ktorý sa stal Bloomovým blízkym priateľom, bol spolužiakom.

Ich učiteľ Harold Zimmerman kultivoval ich talent experimentálnym prístupom. Prinútil ich, aby postupovali veľmi pomaly, kresby spracovávali skôr spamäti než priamym pozorovaním, s malými škvrnami a úpravami, pričom vždy zostali akútne citlivé na kompozíciu ako celok.

Ako tínedžer Bloom kreslil boxerov a zápasníkov (jeho dvaja starší bratia boli kulturisti) a – v jednej úžasnej kresbe zahrnutej do show – titánsky svalnatý muž, ktorý sa uvoľnil z hrubých povrazov na mučení. Napriek odvážnym maliarskym slobodám jeho najlepších diel zostala kresba – a ľudská postava – základom až do konca.

Prostredníctvom Zimmermana sa Bloom zoznámil s Denmanom Waldom Rossom, profesorom na Harvardskej univerzite. Ross dotoval chlapcov ďalšie umelecké vzdelávanie. Jeden večer v týždni ich naučil maľovať, zatiaľ čo Zimmerman pokračoval v kurzoch kreslenia. Zimmerman tiež vzal Blooma a Levina do New Yorku, kde bol Bloom vystavený Chaimovi Soutineovi a Georgesovi Rouaultovi, hviezdam jeho neskoršej práce.

V jeho neskorých 20 rokoch sa Bloomova kariéra rozbehla. Maľoval synagógy, vianočné stromčeky a nevesty v štýle, ktorý vychádzal zo Soutina, Rouaulta, Marca Chagalla a Jeana Dubuffeta, no stále to vyzeralo úplne originálne. Začal si získavať podporu ľudí ako Dorothy Miller a Alfred Barr, kurátorov v Múzeu moderného umenia, a čoskoro inšpiroval kolegov umelcov vrátane de Koonings a Pollock.

V roku 1941 mal Bloom zážitok, ktorý hlboko zmenil jeho vnútorný život a trajektóriu jeho umenia. Jeho blízka priateľka Betty Tovey spáchala samovraždu a jej rodina ho v márnici požiadala, aby identifikoval jej telo.

Bloom poznal Toveyho viac ako desať rokov. V Bostone mali spoločný dom a štúdio. Bola scestovaná, kozmopolitná, dokonalá huslistka a o 10 rokov staršia od neho. Zdá sa, že títo dvaja neboli milenci, ale Tovey bola Bloomovou dôverníčkou v období, keď zápasil s úzkosťou a duchovným zmätkom. Keď sa vzdialil od praktizovania judaizmu, zdieľala svoj záujem o metafyzickú literatúru. Bloom začal skúmať teozofiu, védántu (jedno z hlavných odvetví hinduistickej filozofie) a ďalšie formy spiritualizmu. Celý život zostal hľadačom.

Jeho skúsenosť, že videl Toveyho telo v márnici, ho priviedla k tomu, aby sa na smrť pozrel z novej a krajšej perspektívy. Bol som presvedčený o nesmrteľnosti, napísal, o tom, že som súčasťou niečoho trvalého a neustále sa meniaceho, o metamorfóze ako prirodzenosti bytia.

Pohľadný pozorovateľ Bloomovho umenia v priebehu nasledujúcich dvoch desaťročí by mohol predpokladať, že bol posadnutý morbídnosťou a smrťou. A svojím spôsobom ním aj bol. Čo ho však skutočne zaujímalo, bolo hlboké prepletenie, konečná nedeliteľnosť života a smrti.

Bloomov pohľad na telo takmer ako chytiť do pasce , prestrojenie, ktoré treba spustošiť a roztrhať, čím lepšie cez neho vidieť, malo v európskom umení množstvo predchodcov. Napríklad umelci severnej renesancie (predovšetkým Matthias Grünewald) maľovali zúfalo zničené telo Krista so špecifickým cieľom prekročiť telesnosť. Bloomovu elektrizujúcu prácu možno považovať za súčasť tejto tradície.

Dva roky po identifikácii Toveyho tela v márnici Bloom narazil na priateľa, umelca Davida Aronsona, ktorý bol na ceste do bostonskej nemocnice Kenmore, aby si prezrel mŕtve telá. Pozval Blooma so sebou.

Väčšina záznamov o západnom umení od renesancie zahŕňa príbehy tých umelcov, ktorí porušujú tabu a ktorí sú zvedaví na vnútornú štruktúru ľudského tela a obrátili svoju pozornosť na mŕtvoly, čo často vyvolávalo polemiku. Leonardo da Vinci a Michelangelo ich študovali a pitvali. Rembrandt a jeho holandskí krajania v 17. storočí tradíciu posunuli ďalej.

Takže obraz dvoch ambicióznych mladých židovských maliarov v Bostone, ktorí spolu kráčajú do nemocnice, aby si prezreli mŕtvoly, nie je sám o sebe pozoruhodný. A predsa len preto, že sa písal rok 1943 a obrovské množstvo židovských spoluobčanov týchto dvoch umelcov bolo zmietaných po Európe a poslaných do koncentračných táborov, kde ich systematicky vraždili, je ťažké nenechať sa tým prenasledovať.

Bloom nezamýšľal svoje nasledujúce obrazy - tie, ktoré dominujú tejto show - ako komentár k holokaustu. Napriek tomu sa odhalenia o katastrofe v Európe určite museli naplniť jeho vlastnou predstavivosťou. A naše znalosti o týchto udalostiach nevyhnutne tvoria súčasť hranola, cez ktorý my vidieť ich.

Dekádu po vojne Bloom vytvoril svoje najsilnejšie dielo – nielen obrazy mŕtvol a pitiev, ale aj fascinujúce, takmer abstraktné obrazy vykopaných hord pokladov. Tieto trblietavé diela, postavené s nádhernými pasážami textúrovanej farby, zobrazujú ich predmety, ako keby boli rozložené horizontálne (ako telo na doske) a pri pohľade zhora.

meškanie vrátenia daní v roku 2015

Bloom bol čiastočne inšpirovaný obrázkami nedávnych archeologických objavov. Obrazom dal také názvy ako Archeologický poklad a Mapa pokladov, čím nás pozýval vidieť analógie medzi vykopanými pokladmi (a opalescentným sklom, ktoré obzvlášť miloval) a lesknúcou sa žiarivosťou interiéru tela.

Desať rokov po tom, čo Bloom reprezentoval Spojené štáty na Benátskom bienále (spolu s Pollockom a de Kooningom), bol spárovaný s britským umelcom Francisom Baconom na šou na Kalifornskej univerzite v Los Angeles.

Ako rád by som to videl prerobené. Obaja umelci boli zaujatí odvrátenou stránkou ľudského tela – telom ako mäsom. Ale Bacon, dôkladný existencialista, nemal v tele duchovnú kosť. Život bol pre neho formou divadla, hrou odsúdenou na márnosť. Bloom si naopak myslel, že je v tom niečo viac. Bol to vizionársky umelec, zamilovaný do myšlienkových prúdov, ktoré sa stávali čoraz menej módne milovať. Nezáležalo mu na úspechu vo svete umenia.

Keď kurátori múzea navštívili jeho ateliér, slávne obrátil svoje plátna k stene. Dlho som premýšľal: Snažil sa Bloom ukryť svoje diela pred očami, ktoré považoval za neschopné pochopiť? Alebo si uvedomil, že jeho nedávne veci nezodpovedali jeho predchádzajúcej práci?

Možno bol len skromný. Nakoniec, ako mnohí skutoční hľadači, Bloom išiel svojou vlastnou cestou. Videl, čo videl. Bolo pre neho stále menej dôležité, aby sme to videli aj my ostatní. Počas nasledujúcich desaťročí produkoval dobré veci. Ale diela, ktoré namaľoval v desaťročí po druhej svetovej vojne, zostávajú veľkým a nezmazateľným úspechom.

Hyman Bloom: Záležitosti života a smrti Do 23. februára v Múzeu výtvarného umenia v Bostone. mfa.org .

Najvzrušujúcejšia fotografia z misie Apollo nebola z Mesiaca. Bolo to zo Zeme.

Hilma af Klint, žena, ktorá maľovala budúcnosť

Sú dokumenty o prírode najväčším umením našej doby?